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Les Oeuvres Surréalistes de Frida Kahlo et Leonora Carrington

Beaucoup d'artistes surréalistes, comme Breton, n'ont pas considéré le talent des femmes artistes quand ils ont regardé les peintures créées par des femmes. Les hommes surréalistes n'ont pas donné d'individualisme aux femmes pour leurs peintures car ils ont cru que le but des oeuvres des femmes artistes était de donner le soutien de leurs propres oeuvres. Ainsi, elles n'ont pas eu de soutien pour se développer comme une artiste. Les femmes du groupe surréalistes étaient alienées par les surréalistes comme Breton qui les ont utilisées pour sa recherche d'une "autre magique". Puisque la femme était un mystère pour ces hommes, elle a ouvert la porte de leur imagination. La femme était la muse qui communique avec leur ésprit pour créer une peinture dans laquelle ils peuvent exprimer leurs pensées cachées.

Les femmes artistes comme Leonora Carrington, Kay Sage, Frida Kahlo, Gala, Lee Miller, Léonor Fini, et Meret Oppenheim voulaient la liberté dans leur société qui était favorable à l'homme. Elles voulaient échapper du monde injuste qui a traité les femmes comme si elles étaient moins bonnes que les hommes. Pendant les années 1934-1936, les femmes étaient separées du groupe pour pratiquer leurs idées en dehors de Breton car il a applique des règles très strictes qui n'ont pas donné la liberté à la femme pour se développer. Les femmes voulaient exprimer leurs pensées elle-même et non pas par le coté des hommes. La grande difference entre les femmes artistes et les hommes est le fait que les femmes se sont utilisées elles-mêmes pour la source de leur créativité et donc elles ont eu leur propre ésprit comme muse.

Les oeuvres de Frida Kahlo sont un exemple excellent pour montrer l'usage de ses propres pensées pour vraiment s'exprimer dans ses peintures. Quand Kahlo avait quinze ans, elle a eu un grand accident de route. À cause de cet accident, son bassin était écrasé et elle a cassé sa colonne vertébrale qui lui a rendu un peu paralysée. Sa vie pénible après son accident est vraiment la source de ses peintures.

Les peintures de Kahlo ont reflété les souffrances à son intérieur. Elles ne sont pas normales parce que après son accident, Freda ne s'est pas vue comme une femme normale mais plutôt comme une femme très laide avec un grand handicap. On peut voir dans sa peinture qui s'appelle "The Broken Column" les vraies pensées de Kahlo qui habitait dans son intérieur. Cette peinture montre sa colonne vertébrale brisé et son appareil chirurgical avec une ambiance très sombre et déprimant. Cette peinture reflète la tristesse de sa vie comme une invalide. Elle ne s'est vue que comme une personne défigurée et donc ses portraits d'elle-même se composent seulement de son handicap. "Self-Portrait with Portrait of Doctor Farill" exprime clairement le fait que son invalidité a vraiment controlé sa vie. Voilà Frida Kahlo comme une femme, dans un fauteuil, qui tient une palette. La palette, cependant, n'est pas plein de peintures mais plutôt elle est composé de veines. C'est comme si Frida utilise son propre sang pour peindre son médicin. Cette palette est très symbolique car elle représente deux choses très importantes; le fait que Frida Kahlo était vraiment obsedée par son invalidité et qu'elle ne s'est pas vue comme une femme normale, et aussi le fait que ses peintures ont reflété son ésprit intérieur et donc elle a vraiment utilisé elle-même pour sa muse.

Puisque ses peintures étaient très différentes des autres artistes et un peu bizarre car elles ont reflété toutes ses souffrances horribles et ses experiences très douloureuses, les surréalistes les ont consideré comme des oeuvres surréalistes. Breton a fait des remarques en ce qui concerne les peintures de Kahlo, "Her work had blossomed forth, in her latest paintings, into pure surreality, despite the fact that it had been conceived without any prior knowledge whatsoever of the ideas motivating the activities of my friends and myself"(90). Les surréalistes ont adoré Kahlo parce qu'elle a eu des caractéristiques très exotiques. Ils ont pensé aussi qu'elle était tres excentrique comme une créature de la mythologie qui n'appartient pas à ce monde. Breton l' a décrite comme "la beauté du diable"(90). Elle était très admirée par les surréalistes, mais Frida Kahlo a insisté qu'elle a peint pour elle-même et pas pour les autres. Ainsi, le but de Freda Kahlo n'était pas le même but des surréalistes. Elle n'avait pas envie de choquer le monde où de montrer la necéssité de l'automatisme comme Breton. Au contraire, Freda Kahlo a eu vraiment besoin de peindre pour libérer ses pensées et ses émotions. En 1935 elle a dit, "I have painted about twelve paintings, all small and unimportant, with the same personal subjects that only appeal to myself and nobody else"(90).

Kahlo a utilisé aussi l'art de peindre pour explorer la réalité de son propre corps et de sa vie. Cela veut dire qu'elle n'était pas toujours sûre de son identité. Ce n'est pas toujours l'experience de sa maladie dans ses oeuvres mais quelquefois ils représentent la douleur qui vient d'autres sources. Par exemple, dans "The Two Fridas", Frida Kahlo veut exprimer sa douleur qui vient de son mari Diego quand il l'a quittée. On peut voir deux portraits de Frida qui semblent identiques mais en réalité ils sont très différents. Le portrait à gauche réflete la femme qui n'est plus adorée par Diego. Ella a une hernie de l'artère et donc il y a du sang qui tombe goutte à goutte sur sa robe blanche. L'autre Frida à droite est la femme que Diego avait aimée. Les deux Fridas dans cette peinture montrent leur douleur, leur amour et leur soutien l'une pour l'autre, et leur manque de sécurité. C'est comme si les deux femmes peuvent se comprendre et peuvent sympathiser, mais en même temps elles sentent la confusion et la douleur à cause de cet homme qui les ont quittées.

On peut voir cette confusion dans leurs visages et dans l'ambiance qui souligne encore plus cette douleur. À cause de toutes les difficultés dans sa vie, Frida Kahlo a perdu son identité entièrement. Elle était une femme très jolie mais elle n'était pas capable de se voir comme une belle femme à cause de son handicap, son mari qui l'a quittée, et son enfance. On peut voir ce manque d'identité dans beaucoup de peintures. Par exemple, sa peinture qui s'appelle "Self-Portrait with Cropped Hair" nous montre qu'elle a perdu son côte féminin et maternel.

Dans ce portrait, elle se voit comme si elle est vraiment un homme. À cause de son accident, elle n'était pas capable d'avoir d'enfants. Cela l'a vraiment affectée et souligné comment elle est très différent des autres femmes. Donc si on pense à son invalidite, à l'absence de son mari, et au fait qu'elle ne peut pas avoir des enfants, on peut vraiment comprendre pourquoi elle manque un sens d'identité dans le monde et comment elle peut penser qu'elle est un homme.

Il y a quelques peintures qui soulignent vraiment les souffrances de Frida Kahlo en ce qui concern le fait qu'elle n'était pas capable d'avoir des enfants. En 1932 elle a eu une fausee couche qui est représentée dans sa peinture qui s'appelle, "Henry Ford Hospital".

Dans cette peinture Frida Kahlo montre la douleur qui vient avec une fausse couche. Elle tient des rubans, qui sont vraiment des veines, contre son ventre très augmente. Il y a du sang sur les draps blancs, et un objet comme un fetus qui entoure Frida nue sur le lit. Elle exprime sa tristesse dans cette peinture car elle veut vraiment avoir un enfant. On peut voir aussi sa peur d'etre stérile et les émotions qui accompagnent cette circonstance très malheureuse dans ses peintures qui sont dominées par une ambiance très froide et vide. Frida Kahlo a parlé de cette peinture en disant, "My painting carries within it the message of pain...painting completed by life. I lost three children...Paintings substituted for all this. I believe work is the best thing". On peut vraiment comprendre sa nécessité d'exprimer ses douleurs immenses à travers ses peintures.

Frida Kahlo a utilisé la souffrance pour créer ses peintures. Il y a une peinture qui est unique car elle représente l'acte d'accouchement. Dans "My Birth" , Frida montre la corps d'une femme qui est en train de l'acte de naissance. Entre les jambes de la femme, on peut voir l'enfant qui a le visage de Frida. Cet enfant est couvert du sang et il manque aussi de vigueur. On ne peut pas voir le visage de la femme car il est couvert d'un drap. Cette peinture est très symbolique de l'enfance de Frida Kahlo car elle examine un peu son enfance. À mon avis, Frida n'était pas très proche de sa mère et donc c'est pourquoi dans "My Birth" on ne peut pas voir le visage de sa mère. Je crois aussi qu'il y avait de la confusion en ce qui concerne les origines de Frida Kahlo. Par exemple, dans "My Grandparents, My Parents and I" elle se représente comme un enfant. Cette peinture explore les questions d'identité en ce qui concerne les choses personelles et culturelles. C'est comme si elle n'a pas connu très bien sa famille et donc elle veut essayer de découvrir son enfance à travers cette peinture.

"What the Water Gave Me" est la peinture qui représente toutes les pensées de Frida Kahlo. Dans cette peinture, Kahlo utilise beaucoup d'images qui viennent d'autres peintures pour montrer son manque d'identité. Par exemple, on peut voir ses parents au milieu de l'eau qui représentent son enfance inconnues et la représentation de son accident en peignant son pied de droite difformé avec du sang. "What the Water Gave Me" est pleine d'images de la sexualité, de la douleur, et de la mort. Au centre de la peinture, il y a une image d'une artiste qui est étranglée. C'est comme si Frida Kahlo voit sa vie comme si elle est morte.

Frida Kahlo a utilisé des portraits d'elle même pour vraiment exprimer sa réalité à l'intérieur. Elle est très semblable aux femme peintres surréalistes comme Leonora Carrington qui a tourné vers sa propre réalité pour s'exprimer. Leonora Carrington a fait des portraits d'elle-même qui révèlent son rejet de l'idée qu'une femme est un objet abstrait. Elle a montré que l'image dans le miroir est un moyen de devenir consciente d'elle même et pour vraiment s'exprimer. Donc, on peut voir que le lien d'une femme avec l'inconscient est plus directe que celui des hommes surréalistes qui ont besoin d'un autre "feminin" pour exprimer leurs pensées.

Pour Leonora Carrington, le mouvement surréaliste a offert des occasions pour vraiment s'exprimer. Pendant son enfance, Leonora habitait avec sa famille en Angleterre qui était très stricte et riche. Elle a récu une éducation par des gouvernantes, des précepteurs, et des écoles de couvent. Elle était expulsée quelque fois de mauvaises comportements et une attitude très rebelle. Elle écrivait dans les miroirs de son école en disant son haine pour l'église catholique et sa famille. Sa famille lui a envoyée à un internat à Florence où elle a appris à peindre et où elle a goûté la liberté pour la première fois. Sa décision de devenir artiste était mal récue par sa famille mais elle lui a permis d'étudier l'art à Londres avec Amedée Ozenfant. Ozenfant a enseigné l'art avec un style très stricte qui ont suivi des règles geometriques. Carrington, au contraire, n'a pas suivi son maître et donc ses peintures n'a pas ressemblé à celles d'Ozenfant.

Carrington a adoré son esprit rebelle pendant les années 1920's. On peut voir dans son peinture qui s'appelle "Portrait de Joan Powell" qu'elle a laissé son passé rigide avec sa famille pour une vie plus liberée. Voilà une femme dans cette peinture qui est très independante, un peu comme une brute avec une cigarette qui tombe de sa bouche. C'est une image d'une femme qui est en train de se révolter. Elle tient aussi un livre qui s'appelle "Les Enfants Terribles"; cela est très semblable à sa propre enfance.

Les premières peintures de Carrington ont des images et des thèmes qui viennent de son enfance. Son enfance était plein de contes de fées et d'histoires qui viennent de la Bible et donc on peut insinuer que ses peintures ont beaucoup d'imagination. Ses peintures qui sont pleines d'animaux, comme des oiseaux, créent un décor très mystéreux comme un rêve ou un fantasme. Quelques ans plus tard, Carrington s'est marié avec Max Ernst qui était un artiste qui a participé au mouvement surréaliste. Leur vie ensemble a donné beaucoup de puissance à son association à la nature dans ses peintures.

Pendant cette partie de sa vie, ses peintures reflètent des animaux magiques comme l'image "du cheval blanc". On peut voir cette image dans sa peinture qui s'appelle "Self Portrait".

Des animaux entourent la peinture et la femme, qui s'assied sur la chaise, est vraiment Leonora Carrington. Les yeux de la femme brûlent et ses cheveux poussent de sa tête comme la crinière d'un cheval. C'est comme si elle veut associer les humains avec les animaux pour créer un nouveau monde. Carrington utilise une hyène, un animal nocturne qui appartient au monde du rêve, et un cheval blanc à bascule qui est son image la plus importante et la plus personnelle. Quand Leonora Carrington était petite, elle a cultivé un rapport imaginaire avec un cheval à bascule dans une école maternelle. Dans "Self Portrait", il y a un contraste très important entre les deux animaux. L'hyène noire et le cheval blanc représente le positif contre le negatif ou plus spécifiquement, la vie contre la mort.

Les animaux de Carrington sont identifiés aux forces de la nature. L'hyène appartient au monde du soir, et le cheval blanc devient une image du jour et du monde imaginaire. Les animaux sont très symbolique car ils sont des intermédiares entre l'inconscient et le monde de la nature. Ils suggérent que la nature est la source du pouvoir créateur pour les femmes artistes. Carrington suggére aussi une nouvelle définition pour l'image de la "femme-enfant" qui était définit par les hommes surréalistes. Ils ont nommé les femmes "la femme enfant" car ils ont cru que les femmes étaient très innocentes, très seductrices et dépendant sur l'homme. Carrington, au contraire, a changé cette définition en disant que la femme-enfant veut dire que la femme, à travers son rapport intime avec le monde d'un enfant-le monde où il y a de la fantasie, du rêve, du magique-peut exprimer ses pensées à l'intérieur. Donc selon sa définition, la femme est capable de créer avec la puissance mentale et pas seulement avec la puissance sexuelle comme les hommes.

En 1944, Carrington a publié "Down Below" qui contient les experiences de Carrington quand elle a fait une dépression. C'est l'histoire de l'écroulement de son monde et d'elle même. "I begin therefore with the moment when Max was taken away to a concentration camp...I wept for several hours, down in the village; then I went up again to my house where, for twenty-four hours, I indulged in voluntary vomitings induced by drinking orange blossom water and interrupted by a short nap. I hoped that my sorrow would be allayed by those violent spasms which tore my stomach apart like so many earthquakes...I had realized the injustice of society...My stomach was the seat of that society, but also the place in which I was united with all the elements of the earth. It was...the mirror of the earth, the reflection of which is just as real as the person reflected".

Depuis trois semaines, elle n'a pas mangé. Elle était choquée emotionnellement puisque son monde familier n'a plus existé. Sa dernière dépression nerveuse s'est passée à Madrid où elle a menacé l'ambassade britannique qu'elle allait tuer Hitler et qu'elle allait libérer l'humanité. On l'a mise en asile et son emprisonnement est plein d'images violentes, "they tore my clothes off brutally and strapped me naked to the bed accompanied by intense pain and vivid hallucinations". Elle s'est échappée des confinements de l'asile et après quelques semaines, elle a rencontré Renato LeDuc et s'est mariée avec lui.

Leonora Carrington a utilisé ses experiences personnelle comme son enfance, sa vie avec Max Ernst, et sa dépression, pour créer des peintures pleines de choses magiques avec un symbolisme très personnel. Avec l'usage de son imagination, elle a établi des relations profondes entre ses experiences et la nature. On peut voir dans ses peintures que Leonora Carrington était toujours sur un voyage très magique.